Exposición antológica Hernán Miranda 

 

 

Postcards from Google Earth

El artista neoyorquino Clemente Valla , recorre los límites algorítmicos de Google Earth en la búsqueda de rupturas de la 'textura universal ".
El modelo de tres dimensiones, sin embargo, se caracteriza por una  fluidez generado por dos parámetros dimensionales. El trabajo se lleva a cabo haciendo coincidir  la textura con el plano de la imagen y posteriormente se estira a través del espacio 3D. A  menudo hay costuras en el que la representación hiperreal traiciona los puntos de datos dinámicos que componen el mapa. V alla recoge estas  uniones incongruentes y expone los puntos donde la percepción se enfrenta con la realidad.

 

 

 

 

 

Nina Winters presents:

La artista Nina Winters – premiada y expositora a nivel mundial- nos ha enviado recientemente imágenes de sus últimos trabajos.
Los cuales podrán disfrutar a continuación. 

 

 

Nina Winters (New York, EE.UU)
Artista 

"Siento que el arte, cuando está en su mejor momento,
habla desde lo más profundo de nosotros
con un lenguaje que no tiene palabras.

Yo trabajo con una línea abstracta fuerte, sin embargo voy más allá del puro diseño.
Mi intención es hacer declaraciones sobre la naturaleza humana".

ARTIST’S STATEMENT

I have a reverence for art as a communication tool.

I feel that art, when it’s at its best,
speaks from the deepest part of us
with a language that has no words.

I work with a strong abstract line but I go beyond pure design
to make statements about human nature.

The details of my work are both specific and universal.
An open hand polished to a shining clarity speaks of truth.
A strong stance signifies strength and permanence.
Wings of parachute material symbolize freedom.

My sculptures are statements of my belief that we are capable of  far more than we are led to believe.
I want my art to inspire you to dream, to reach, to fly.

Nina Winters 

"Nacida y criada en Nueva York, Nina fue educada en la Escuela de Bellas Artes y Arquitectura en la Universidad de Cornell, la Escuela de Artes Visuales, Parsons School of Design y en la Escuela de Postgrado Hunter. Comenzó su carrera como artista en el campo de la ilustración, trabajando para clientes como Bantam Books, Columbia Records, el Plaza Athenee hotel en Nueva York y Northwest Airlines.

Poco después de la universidad, se dedicó al arte tridimensional, después de soñar con los bronces monumentales que resisten la prueba del tiempo dando un mensaje positivo a la sociedad.

Ahora Nina está viviendo ese sueño. Con sus esculturas de bronce que se recogen a través de la palabra, proyectos monumentales y otros por venir (incluyendo una comisión de 2,3 metros x 2,8 metros por el vicepresidente de PepsiCo), Nina está haciendo un nombre por sí misma en el ámbito internacional. Y a diferencia de los artistas más contemporáneos, su obra habla menos de lo que la condición humana es, y más sobre lo que puede ser. "

 

Contacto: 
bronzes@ninawinters.com
www.ninawinters.com

 

 

 

 

Exposición Río Abajo 

Artista: Sebastian Baudrand
Lugar: Museo de la Exploración R. A. Philippi, Campus cultural Uach, Isla Teja,Valdivia.
30 de enero-28 de marzo 2013

La obra Río Abajo es parte de un proyecto que ha buscado en el tiempo subrayar o enmarcar espacios de valor patrimonial, natural o residual de nuestro habitar, re orientándolos minuciosamente en el contexto en el que se emplazan. Estos lugares son identificados y elegidos por estar fuertemente cargados de
significación sensitiva o histórica temporal, emergiendo desde el paisaje en transformación una nueva geometría que interviene el lugar para hacerse parte de la materia existente.Todas estas acciones trazan una nueva cartograRía referencial, re fundando el espacio y territorio desde la reflexión y la flexibilidad que aporta la visualidad de la obra, insertándose en los dominios de la realidad y creando una dislocación que nos permita expandir los contornos del imaginario común a otra empatía con el lugar.
De esta forma Río Abajo deja entrever acontecimientos ocultos o imperceptibles y a la ves su voluntad primaria y volumétrica. Son Risuras que activan desde la memoria la imaginación, cuestionan los lindes entre lo público y lo privado, revelando desde el presente el paso del tiempo y el andar de nosotros mismos.

Información gentileza: Sebastián Baudrand  / sbaudrand@gmail.com

 

 

 

“¿ESTA SERÁ  MI CASA, CUANDO ME VAYA YO ?”

•   A través de  su muestra el expositor busca que el público reflexione sobre las políticas habitacionales y aquel sueño utópico de la casa propia.

• Por más de una década, Portus ha recorrido la ciudad observando e investigando. El resultado de su obra se presentará en Sala Gasco desde el 13 de diciembre al 15 de febrero del 2013.

No es casualidad que el artista Leonardo Portus haya elegido la famosa canción “Esta será mi Casa cuando me vaya yo”, del autor español Nino Bravo para su exposición. El año 1973, en que muere el cantante, señala el autor,  “coincide con el quiebre de las políticas habitacionales estatales en Chile, las que con un fuerte sello modernista construyeron en nuestro país el sueño de la casa propia con la utopías urbanas y estilísticas propias del Movimiento Moderno”.

Inspirado en lo anterior y buscando que el público reflexione sobre las políticas habitacionales y aquel sueño utópico de la casa propia, el expositor desarrolla cinco  maquetas de edificios de vivienda social ficticios , 5 planimetrías y alrededor de 17 fotografías de gran formato, que conforman esta exposición en Sala Gasco, abierta gratuitamente al público desde el 13 de Diciembre al 15 de febrero del 2013.

“Esta muestra es  una especie de historia alterna (ucronía) pensando qué habría sucedido si las políticas habitacionales en Chile, de fuerte sello social y modernista hubieran seguido desarrollándose en nuestro país sin el quiebre producido en 1973, que significó su interrupción como programa arquitectónico y urbano estatal”, señala Portus.
“El título de esta canción –añade el artista- es muy paradojal  ¿Estamos realmente en nuestro hogar cuando lo añoramos,  vivimos realmente  una experiencia desde la nostalgia más que cuando la vivimos en realidad?”. Esta frontera entre ilusión y realidad, deseo y futuro posible es la que intenta  desarrollar Leonardo Portus en esta exposición.
Los materiales que escoge el artista son de distinta procedencia. Es así como madera, palitos para maquetas, pintura acrílica mezclada con esmalte industrial, pasta muro, barnices y material reciclado dan vida a la obra intentando -una vez más- friccionar la diferencia entre el  arte popular y lo culto.

 

Un showroom inmobiliario

Para Portus, el formato de Sala Gasco es clave en esta escenificación: “Los grandes ventanales son importantes al permitir a nuevas audiencias relacionarse con el arte contemporáneo diluyendo esa frontera entre espacio privado y público” explica. “Además de ser un lugar  reconocido e importante para la trayectoria de cualquier artista visual chileno – agrega -  destaca por su emplazamiento céntrico, diversidad de público y larga duración de sus muestras”.

 

 “¿ESTA SERA MI CASA, CUANDO ME VAYA YO?”

 Leonardo Portus

Sala Gasco Arte Contemporáneo
Santo Domingo 1061 (Metro Plaza de Armas) Santiago.

Abierta al público desde el viernes 14 diciembre hasta el 15 febrero.
Lunes a Viernes de 10:00 a 17:00 hrs.
ENTRADA LIBERADA
VISITAS GUIADAS GRATUITAS:

Inscripciones en el fono 6944386 o en visitasguiadas@gasco.cl

 

 

 

El café contemporáneo 

Cat Time , cat cafe 

Osaka, Japón

 

 

 

Cafe/Day
Numazu, Japón
By Suppose Design Office

 

 

 

Castro Café
New Delhi, India
By Romi Khosla Design Studios

 

 

 

Café del Arco
Murcia, Spain
By Clavel Arquitectos

 

 

D’espresso
New York, New York
By Nema Workshop

 

Información: Architizer

 

 

 

 

 

"The Ugly Truth"

La fotógrafa con base en Londres Ruth Mackel, es autora del proyecto fotográfico "The Ugly Truth". El cual explora la fealdad y la belleza que existe colectivamente dentro de cada uno de nosotros, a través de la drástica transformación estética de los rostros.
Las imágenes fueron creadas a partir de la presión de los rostros de los modelos contra un vidrio, para lograr el resultado de una distorsión facial.

www.rutmackel.com

 

 

Frutas Extrañas

La Directora de Arte Sarah Illenberger presentó recientemente en los medios su último trabajo titulado “Strange Fruits” (frutas extrañas).

 

Información www.sarahillenberger.com

 

 

 

Vajilla con bocas

“Handled with Care” corresponde a la -primera vez expuesta-  obra antropomórfica de escultor israelí Ronit Baranga.  
La exposición corresponde a una serie de piezas de vajilla, intervenidas con partes del cuerpo humano. 

 

 

 

Murales de los ancianos sobrevivientes a la revolución cubana 

El renombrado artista callejero JR ha publicado recientemente un libro que guarda el registro de su proyecto “wrinkles of the city”. Una serie de 25 retratos que pintó en la capital de Cuba mientras se realizaba la Bienal de la Havana. El libro documenta tanto lo visual, como la historia de los personajes de las imágenes. Los residentes más ancianos de la ciudad, quienes sobrevivieron a las constantes revoluciones cubanas. La idea del proyecto era brindarle a estos 25 personajes, un homenaje que quedase plasmado en los muros de la maltratad ciudad. 

 

Información: www.jr-art.net

 

 

 

150 años del "underground" de Londres

El "underground" (metro) de Londres cumplió 150 años la semana pasada. En el marco de su aniversario la revista designboom realizó una muestra con algunas icónicas reinterpretaciones del underground londinense. 

 

 

 

Ai Weiwei: Instalación con 760 bicicletas

La Galería Continua está presentando actualmente una exposición individual del controversial artista Ai Weiwei. La exposición consiste en una instalación contemporánea compuesta por 760 bicicletas.

 

 

 

 

Helmut Newton: vanidad, glamour, y fetichismo

El trabajo del fotógrafo Helmut Newton (1920-2004) es el foco de la exposición que se encuentra actualmente expuesta en el Centro Cultural Onassis en Atenas, Grecia. Con sus 196 fotografías recorriendo toda su carrera, esta retrospectiva cubre los aspectos básicos de su conocida y a menudo provocadora obra, que pasa por la moda, los desnudos, los retratos, el sexo o el humor.
Helmut Newton (1920-2004) tenía su propia forma de fotografiar la belleza, la sensualidad, el humor y la violencia mirando lo que subyace en la conducta de las personas del mundo de la moda, el lujo, el dinero y el poder. La fotografía clásica de  Helmut Newton  trasciende la moda y lo marca como un artista que, dejando a un lado las limitaciones impuestas por su medio, no solo experimentó con temas y géneros, sino que amplió el ámbito de la cultura visual contemporánea, con su visión singular.

Newton es ampliamente reconocido como un pionero que convulsionó la fotografía de moda desde su núcleo, transformando sus escenarios habituales y elevando su mirada a niveles "subidos de tono", con planteamientos provocadores que reflejan la revolución sexual de la época. Un elemento fundamental en Vogue, Harpers Bazaar, e incluso en Playboy, es su apariencia única voyeurista capturando la belleza innata subyacente, humor, sensualidad e incluso la violencia del mundo de la moda, la riqueza y el poder.
El 'Rey del Kink ", como popularmente le apodaron, Newton creaba escenas singulares congelando la desnudez como tema recurrente, la captura de un estilizado estilo de vida jet-set, donde las bellas de la alta sociedad están emparejadas con armas de fuego, esposas, tacones de aguja, soportes ortopédicos, medias y fuertes lápiz de labios. La vanidad y el deseo de asumir cualidades fetichistas con matices sadomasoquistas, creando ambientes provocativos y expresivos que aparecen absolutamente sinceros y privados, como si uno estuviera espiando a través del ojo de una cerradura una eléctrizante y erótica hiper realidad que se desarrolla a puerta cerrada.

 

 

 

"matcheads"

El artista/escultor David Mach se encuentra actualmente exponiendo su obra “matcheads” en el Festival “Precious Light”.
El trabajo consiste en dar forma a representaciones de notables íconos, mediante la utilización de cerillos, colocados de forma que dan
la impresión de volumen.

“No quiero hacer trabajos a partir de bronce. Uso estos materiales porque estoy tratando de alcanzar otro tipo de público. No estás tratando con el tipo de persona que es aficionada al arte, tratas de llegarle a las personas que preferirían prenderte fuego y aventarte al río antes de ponerle atención a tus obras.”

 

 

 

"axioma y simulación"

El artista americano Mark Dorf ha presentado recientemente su último trabajo titulado "axioma y simulación". El proyecto nace del interés del artista por los dinámicos paisajes de Skagastrond, Islandia. Lugar dónde realiza un “recorrido” fotográfico que luego es intervenirlo digitalmente de una manera muy sutil. 

Información: www.mdorf.com

 

 

 

Arquitectura imposible

En el portfolio de trabajos de Filip Dujardin, pueden encontrarse estas curiosas fotografías de edificios imposibles. Se trata de edificios reales fotografiados, «recortados» y photoshoppeados hasta lograr curiosos efectos. Parte de la gracia es que muchos podrían ser posibles, aunque todavía no existe ninguno en la realidad. El fotógrafo belga Filip Dujardin diluye la línea entre la realidad y la ficción a través de sus fotomontajes. Utiliza fragmentos de fotografías reales para generar una realidad propia. Los conceptos arquitectónicos que crea cobran en algunos casos gran interés. El parecido de algunas de sus ficciones con obras reales nos invita a cuestionarnos si ciertas arquitecturas se están alejando demasiado de nuestra realidad. 

 

 

  'FILMography'  (FILM + photography) 

 

'Filmografía' (CINE + fotografía) es un proyecto en curso ideado por el periodista Christopher Moloney.  El proyecto consiste en sobreponer fotografías de escenas de populares películas sobre la situación actual del lugar donde estas fueron originalmente rodadas, para luego fotografiar el conjunto. 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

"Eclipse de cemento"

"Cement Eclipses" es un proyecto de investigación del espacio urbano que discurre entre los campos de la escultura y la fotografía. En este proyecto, el artista español Isaac Cordal utiliza la escultura como punto de partida y la fotografía como un testimonio de la ejecución de las instalaciones para su posterior visualización o exposición. Las piezas son de pequeñas dimensiones (25 cm. aprox) realizadas en cemento y cuyas copias son reproducidas por medio de moldes de silicona. Estas pequeñas figuras son la representación de una especie de metamorfosis en la que el ser humano abandona su papel de ciudadano mimetizándose con la ciudad y en el que lentamente se convierte en parte de su mobiliario urbano. De esta manera confirma su aislamiento voluntario de la naturaleza, camuflándose entre las aceras, las calles, las paredes, etc, convirtiéndo ese entorno en su hábitat natural. Este proyecto fue comenzado en el año 2006 como un proyecto itinerante y en continuo proceso de realización en el que se mezcla la instalación urbana con el street art. Cement eclipses se ha realizado en espacios urbanos de diversas ciudades europeas como Berlín, Londres, Bruselas, Lieja, Barcelona,